money honey

80位声明显赫的大导演，1000余部精妙绝伦的电影作品，这是一本入门级介绍著名电影导演及其作品的“电影手册”。
　　80位导演当中，从最早的电影艺术奠基人格里菲斯、爱森斯坦到当今风头正健的库斯杜里卡、拉斯·冯·提尔、阿莫多瓦、阿巴斯等，他们的作品正是百年来电影艺术的菁华所在；他们的一部部作品构建成为电影殿堂里最为华美的场景；他们的电影是与心灵息息相通、与商业格格不入的“探索电影”、“艺术电影”；他们是各大电影节上的常客、电影学院里推崇倍致的大师；他们让电影成为人生思想不可或缺的设备……
　　书中最后还附录了世界上最享有盛名的三大国际电影节：法国戛纳国际电影节、德国柏林国际电影节、意大利威尼斯国际电影节的历届获奖名单以供读者查阅。
卡洛斯·绍拉（Carlos Saura，1932- ）

　　卡洛斯·绍拉1932年1月4日出生于西班牙亚拉刚省的胡亚斯卡市一个中产阶级之家，母亲是钢琴家，哥哥则是个画家，绍拉很小的时候就对电影产生了浓厚的兴趣，但他那时候的理想是成为一名优秀的舞蹈演员，无奈，一次小腿的意外受伤使他的这个梦想破灭，于是走上了辉煌的电影之路。
　　18岁的时候，绍拉成为一名摄影师。1953年至1957年在马德里电影学院接受了4年导演训练，1958年到1963年接着留校任教6年，讲授剧本写作及导演相关课程。在这段期间，他专注于纪录片，1958年完成第一部剧情片《昆卡》，1963年之后的作品渐受国际重视。从事影视生涯四十多年的绍拉，他的特色就是环绕着“死亡”、“孤寂”、“家庭”、“梦想”这些深奥的主题，从这些主题中可以洞悉他在第七艺术的深厚造诣及宽广胸怀。
　　卡洛斯·绍拉的影片的最大特色就是影片中的音乐与舞蹈，尤其是他的弗拉明戈舞蹈三步曲，更是让他赢得了诸多光环。他也被公认为是最有西班牙特色的导演，他的《血色婚礼》更是史无前例地以歌舞片的身份被提名奥斯卡最佳外语片。另外一部展现探戈舞魅力的《探戈》更是让他囊括了那一年西班牙国内所有的电影奖项。
　　1981的《血色婚礼》获得卡罗维发利电影节特别奖，故事讲述在婚礼之前，新郎充满愉快之情，而新郎的母亲则好像有着自己的心事，而且她坚决要求儿子在婚礼上不要带刀子，但满心欢喜的儿子没有听从母亲的嘱咐。新娘以前的男友十分忧郁地注视着这场盛大的婚礼，他决心要把新娘抢走。婚礼之日，贺客盈门，新娘与前男友相携乘马私奔，新郎随后追赶，双方为了自己心爱的女人展开了一场决斗，最后同归于尽，婚礼成了“血色婚礼”。新郎倒在血泊中，新郎的母亲和新娘却将承受一生折磨。 卡洛斯·绍拉因观赏加德斯舞团排练《血色婚礼》而受到启发，以半纪录片的拍摄手法和加德斯合作本片，也为其弗拉明戈系列作品揭开序幕。在绍拉的舞蹈片中，“镜子”无所不在，不但带出“戏剧反映人生”的母题，在本片中更有着自省与追寻真理的意味。
　　1998年，卡洛斯·绍拉拍摄了《探戈》，马力欧是遭妻子抛弃的著名导演，为了遗忘悲伤，他投入一部关于探戈的电影拍摄。有天晚上选角时，他认识了爱莲娜，影片出资老板安杰罗的情妇。在排演进行中，马力欧与爱莲娜卷入大胆激情的恋爱中……。这是绍拉双重指涉的电影，不仅关于情欲，还关于电影、梦、死亡这些他惯有的题旨，在他的诠释下，探戈除了是种舞艺，也是两性关系﹙情欲﹚，在他的电影中还有马力欧的电影﹙电影﹚，他让马力欧在梦中拿出匕首刺杀离他而去、与新欢共舞的女人，马力欧在他的作品中借用了梦的灵感，让一男子拿出匕首刺杀舞剧的女主角﹙梦﹚，马力欧出车祸时有过在鬼门关前走一圈的类死亡经验﹙死亡﹚，这些相互参照的情节设计，使本片内涵饶富层次。 这部以“探戈”为前提、充满着复杂情欲交错的影片，与一般单调的歌舞片截然不同，当制片人裘安拿着剧本去找卡洛斯·绍拉，在看了上百部有关音乐及舞蹈的电影后他表示：“除非我能深入到探戈舞的精髓，否则随便拍一部舞蹈片，对我而言毫无价值及意义。”
　　由卡洛斯·绍拉编剧和导演的影片《戈雅》展现了西班牙著名画家戈雅——被认为是现代最重要的艺术家的经历和艺术演变。以他生命的最后数月作为故事的背景，源于他作为一个人的演变、他的画作以及他私人的困扰。《戈雅》是一部视像和美感再现的影片，揭示了一个与历史、与西班牙和欧洲关系密切的生命的奥秘，影片展现了欧洲历史上最动荡的篇章之一。影片自由挥洒得一如戈雅翱翔于天堂与地狱之间的高超想象力：非线性叙事、跳跃性思维、自由穿插的时空、舞台效果与油画效果并重的风格化布景、戈雅艺术理念的充分展示，都体现出导演卡洛斯·绍拉深厚的电影功力和高品位的艺术追求。

卡洛斯·绍拉作品年表：
1958：《昆卡》
1959：《流氓》
1963：《一个强盗的悲剧》
1965：《狩猎》 The Hunt
获奖记录：1966年第16届德国柏林电影节银熊奖（最佳导演奖）
1967：《小镇薄荷汁》Peppermint Frappe
获奖记录：1968年第18届德国柏林电影节银熊奖（最佳导演奖）
1970：《极乐花园》The Garden Of Delights
1973：《安娜与狼》Anna AndTheWolves
1974：《安杰丽卡表妹》
获奖记录：1974年第27届法国戛纳电影节评委会奖
1975：《饲养乌鸦》（另译《姑息养奸》）
获奖记录：1976年第29届法国戛纳电影节评委会大奖
1979：《妈妈活到一百岁》Mama Turns100
1980：《快、快、快》Deprisa
获奖记录：1981年第31届德国柏林电影节金熊奖，
1981：《柔情时分》Sweet Hours
1981：《血色婚礼》Blood Wedding
获奖记录：卡罗维发利电影节特别奖
1983：《卡门》Carmen
1984：《高跷》The Stilts
1986：《魔术师的爱》El Amour Bruno
1987：《黄金国》El Porapo
1989：《黑夜》The Dark Night
1990：《卡美娜万岁》Ay Carmela!
1994：《弗拉明戈》Flamenco
1996：《出租车》Taxi
1998：《探戈》Tango
2000：《戈雅》(另译：《波尔多美酒》) Goya In Bordeaux aka Goya
2002：《沙乐美》Salome

费德里科·费里尼（Federico Fellini，1920－1993）

　　费德里科·费里尼1920年1月20日出生于意大利北方里米尼海港的一个中产阶级家庭，小时候的费里尼就对马戏团及小丑情有独衷，还因为此在7岁到12岁之间偷偷溜出去流浪了几天。这个小时候的向往最终贯穿了费里尼一生的电影，无论是他早期的扬名立万之作《大路》，还是他大众普及率最高的《八部半》，马戏团那盯盯当当的音乐总是或强或弱。
　　费里尼于1939年成了一名广播剧和电影编剧。1945年费里尼辅助罗西里尼导演了《罗马，不设防的城市》，它一面世就成了新现实主义的扛鼎之作，被罗西里尼信任和器重的费里尼被理所当然地认为是新现实主义的得力干将。在1950年之前，费里尼基本上是以编剧和副导的身份出现。这段生涯为费里尼涉足导演提供了充分的练手机会，同时他独有的创作理念也正在逐渐形成。1950年费里尼与别人合作导演了《卖艺春秋》，他的妻子玛茜娜主演。这部处女作奠定了费里尼电影的几个基本特征，一是马戏团情结，本片讲的就是在意大利城乡流浪的命运凄惨的杂耍艺人，二是片场的马戏团化。第二年，《白酋长》问世，1953年的《浪荡儿》是费里尼第一部引起国际瞩目的电影，它最终获得了威尼斯电影节银狮奖。
　　1954年，《道路》公映，这是费里尼早期最重要的一部电影。流浪艺人藏巴诺买下了弱智姑娘杰尔索米娜，杰尔索米娜又遇到了一个走钢丝绰号“疯子”的艺人，然后三人的命运改变了，最后藏巴诺杀了“疯子”，杰尔索米娜常唱的歌倒是马戏团唱着，可是她本人却列死了，孑然一身的藏巴诺在黑夜的指引下来到海边，对着大海莫名地哭泣。这部电影成了费里尼电影生涯中最赚人眼泪的一部作品。《道路》使费里尼名声大噪，也是他自立门户的起点。1955年的《骗子》，费里尼继续描摹着颓靡，一个平庸的骗子奥古斯都在费里尼的镜头下充满着悲凉。1957年的《卡比利亚之夜》是费里尼的第二部奥斯卡最佳外语片，这部电影或者可以说是费里尼与新现实主义完全分道扬镳的作品，电影大理论家巴赞曾有这样一篇文章《卡比利亚之夜——新现实主义历程的终结》，专门对此论述。
　　在1960年的《甜蜜的生活》中，费里尼与“真实”的告别更是斩钉截铁，记者马塞每天钻在罗马上流社会找新闻，历尽了其中的骄奢淫逸的生活。宗教极热分子，肉欲蓬勃的明星，无所不用其极的狗仔队……电影在现这产眼乱缭乱的幻想中轻快游走，肆无忌惮地画出一个世界整体随落的全景。这部光怪陆离的电影一公映，就引起了阵轩然大波，教皇气得拍了桌子，梵蒂冈教廷专门发起一场运动来抵制这部“图谋不轨”的电影，而意大利的上流社会因片子对他们剥皮剔骨地揭露而怒火中烧，左派也因费里尼远离社会底层而颇有微辞。
两年后，费里尼和德·西卡、维斯康蒂联合执导了《三艳嬉春》，三个导演分别执导了一个短片，关于女人的一次生动的比喻。
　　1963年的《八部半》以一个灵感枯竭的导演基多为主人公，他在筹拍他的第九部电影时的经历，回忆、幻想、梦臆以及现实穿插。在这部电影中，费里尼对梦的表现可以与弗洛伊德的精神分析相媲美，片中共有的11个梦成了电影学院研究的范本。开头从紧闭的车中爬出，飞向天空，后来又有根绳子把他扯了下来，以及他被一大群女人围着给洗澡的镜头，都可以称为神来之笔。《八部半》为其后的心理片确立了一个经典范式。而该片在摄影及剪接上的创机关报也不可忽视，费里尼对于运动镜头的把握炉火纯青，在疗养院段落开场的那个镜头中，摄影机如行云流水般地穿行摇移于空间之中，将疗养院复杂的人物交待得有条不紊。基多在服务台和罗马的妻子通完电话后的镜头处理方式，20年代好莱坞才学会。而本片的如同时空穿梭的剪接也被命名为“意识流”风格。
　　费里尼在《八部半》之后，显然觉得剖析自己还不够，于是另一部具有自传色彩的电影出现了，《朱丽叶与魔鬼》是他的第一部彩色电影，仍由费里尼的妻子玛茜娜主演，一个阔太太对她的富翁丈夫疑神疑鬼，为了达到目地她向私家侦探求助，最终陷入精神崩溃。这部电影被称作女性版的《八部半》，荒诞的幻境比起《八部半》有过之而不及，为了表现这种气氛，费里尼经常去造访灵媒和所谓通灵人士。费里尼在片中继续了他对女性肆无忌惮的幻想，片中对外遇的解释更是让人瞠目结舌，所谓偷情只是把自己的性器官借给别人用一下而。在此片之后，他和妻子多年没有合作，直到1986年的《金格和弗雷德》。
　　相对于《八部半》和《朱丽叶与魔鬼》的成功，1968年的《死亡精灵》和《爱情神话》就显得失败了。1970年代初，费里尼先后推出了《小丑》、《罗马》、《阿玛珂德》等几部作品。费里尼天才般的想像力在《爱情神话》、《卡萨诺瓦》、《女人城》中表现得最为夸张，不动声色地讽喻现实的沉沦。八十年代后，费里尼无论如何努力，他的才华已不在巅峰状态，而他似乎也开始对那种极尽绚烂的叙述方式减淡了兴趣，1983年的《扬帆》就是费里尼这种状态的准确产物。在费里尼1990年落幕之作《月吟》之前，费里尼还拍了两部长片《金格和弗莱德》及《访谈录》。
　　1993年10月30日，费里尼病逝，意大利为其举行国葬，联合国教科文组织专门铸造了费里尼勋章。

费德里科·费里尼作品年表：
1950：《卖艺春秋》Variety Lights
1952：《白酋长》the white sheik
1953：《城市里的爱情》（集锦片中一个插曲：《婚姻介绍所》）
1953：《浪荡儿》I Vitelloni
获奖记录：1953年第16届意大利威尼斯电影节银狮奖
1954：《道路》La Strada
获奖记录：1954年第17届意大利威尼斯电影节银狮奖
　　　　　1956年第29届美国奥斯卡最佳外语片奖
1955：《骗子》Ilbidone
1957：《卡比利亚之夜》Nights of Cabiria
获奖记录：1957年第30届美国奥斯卡最佳外语片奖
　　　　　1957年第10届法国戛纳电影节最佳女主角奖
1960：《甜蜜的生活》La doice Vita
获奖记录：1960年第13届法国戛纳电影节金棕榈奖
1962：《三艳嬉春》Boccaccio’70（另译：《薄伽丘70》）（和德·西卡、维斯康蒂联合执导）
1963：《八部半》Otto e Mezzo
获奖记录：1964年第36届美国奥斯卡最佳外语片奖、最佳服装设计奖
　　　　　1963年莫斯科电影节大奖
1965：《朱丽叶与魔鬼》Juliet of the spirits
1968：《死亡精灵》（与另外两位导演合作摄制其中的《该死的托比》）Spirits of the Dead
1969：《爱情神话》Fellini Satyricon
1970：《小丑》（电视片）The Clowns
1971：《罗马》Fellini's Roma
1973：《阿玛柯德》Amarcord
获奖记录：1975年第47届美国奥斯卡最佳外语片奖
1976：《卡萨诺瓦》Fellini's Casanova
1978：《乐队排演》Orchestra Rehearsal
1980：《女人城》City of Women
1983：《扬帆》And the Ship Sails On
1986：《金格和弗莱德》Ginger and Fred
1987：《访谈录》Intervista
1990：《月吟》The Voice of the Moon

路易·马勒（Louis Malle，1932－1995）
　　路易·马勒1932年10月30日出生于法国北部，父亲是法国北部闻名的实业家，母亲是著名糖业工厂的继承人。马勒从小在天主教的严格家教中接受教育。二战爆发后的混乱时期，马勒随父亲辗转各地，这种童年的颠沛以及德军占领的影响，使得马勒几乎从来没有固定的学校教育。马勒一向就对自己生长的富豪家庭怀有叛逆精神，因此在动荡的少年时代依旧沉溺于自己的孤独之中，这也成了他喜爱电影的原因。
　　马勒少年生活中，最重要的一件事发生在他12岁的时候。当时，他寄读于枫丹白露旁的卡尔穆·塔文学校。一天，德国盖世太保闯入校园，冲入课堂，抓走了三个犹太小伙伴，以及藏匿犹太少年的让·德·耶苏神父。小路易亲眼目睹了这一幕令人恐惧的赤裸裸的法西斯暴行。在赴奥斯威辛集中营前，可怜的小同学凝望着大家，与伙伴们一一握别。那一刻让他永生难忘。每每谈及这段往事，他便怒火中烧，愤愤不已。这段深藏于内心的记忆或多或少为他长大后进入演艺圈产生了一定的影响，并在他晚年的《再见，孩子们》中予以再现。
　　马勒在14岁时就萌发了拍电影的愿望，19岁进入法国高等电影研究院，认真学习了2年电影。在研究院学习时，马勒对电影理论并不感兴趣，而是一味努力实践如何表现影像。毕业时，他拒绝向学校递交论文，表明了他重实践不重理论的观念。
　　马勒还在电影研究院时，得到一个机会，随格斯特上校拍摄了一些类似科教片的纪录短片，这给急于实践的马勒提供了方便。随后，格斯特上校筹备拍摄海底纪录片《静静的世界》，这部影片使用了改进过的摄影设备，可以比较方便地进行水下摄影。马勒随同格斯特上校在地中海、红海、印度洋等水域进行了大规模的拍摄工作，并自己下海拍摄鲨鱼镜头。1956年4月这部当时少见的影片上映时，片头注明是两人联合导演。影片不仅在票房上获得成功，而且还获得戛纳电影节最高大奖。年仅24岁的马勒，第一次站在了戛纳电影节的领奖台上。
　　1958年，马勒执导了《情人们》,描写一个富裕家庭的太太与一面相识的陌生青年，抛开传统的伦理道德，共度一夜纯粹的爱的生活。整部影片全由典雅优美的影像构成，以新鲜的手法和感觉再次震惊世界影坛，获得1958年威尼斯电影节最佳导演奖。可以说，马勒是法国新浪潮电影的引火线，他以一个新人的面孔出现，拍摄的影片既叫好又叫座，使得更多的新人影片得以投拍，这才陆续推出雷奈、戈达尔、特吕弗、夏布洛尔等一大批新浪潮著名导演的处女作。
　　此后，马勒曾经试图与影坛前辈罗伯特·布烈松合作《抵抗》一片，后因意见不合分手。马勒开始自己撰写剧本，并与制片人扬朱里埃相遇，成为知交好友。在马勒富豪父亲的财力背景支持下，两人合作。大制片商拿破仑·穆拉王子非常赏识马勒的作风和能力，投资由马勒独立执导的第一部剧情长片《死刑台与电梯》，该片是随后兴起的法国新浪潮电影的先声。当时，马勒年仅25岁。全片大胆使用当时很流行的摩登爵士乐，以战后一代的新感觉在高度机械化和人性化的巴黎社会背景下，描写一个年轻人和有夫之妇发生暧昧关系，进而杀人，最后因一步之差被关在电梯中，束手就擒的故事。马勒在早先不久结识了舞台剧女演员让娜·莫罗，两人相互倾慕彼此的才华，相约合作。马勒也就从第一部剧情片开始了与莫罗的长期合作，莫罗也凭借马勒的几部作品成为法国银幕上的顶级女星。影片以高度紧张、冰冷的感觉以及相对黑色的风格吸引了观众，创下了高票房。影片还得到评论界一致的好评，著名左派评论家乔治·萨杜尔称导演为“电影诗人”，影片还获得该年度“路易德吕克奖”。
　　1960年，马勒以默片时代闹剧手法拍摄了改编自同名小说的《扎奇在地铁》，又让著名艳星碧姬·巴铎自己饰演自己，拍摄了半纪录半剧情的影片《私生活》，以崭新的手法和电影观念博得观众和影评家的一致好评。
　　1963年，马勒改编了法国著名小说《鬼火》，影片描写一个酗酒的堕落浪子，在自杀前的种种遭遇和颓废的心态。此时的马勒也已经接近而立之年，该片正是他有感而发，将自己怀念已逝的青春时代的心情，描写得淋漓尽致，带着极灰暗的颓废色彩。《鬼火》可以说是马勒艺术上的一面金字塔，并为他获得第26届威尼斯电影节评委会特别奖。
　　在一段时期都拍摄文艺性比较强的影片后，马勒在1965年和1966年，连续拍摄了两部大制作的娱乐片。在今天看来，这两部影片的节奏、娱乐性都不够“刺激”，但两部影片都能在轻松愉快之中给人留下美好的印象。像《江湖女间谍》中让娜·莫罗和碧姬·巴铎两大女星联手作战，重机枪狂扫的镜头；《大盗贼》中贝尔蒙多优雅的大盗形象都是不可磨灭的。
1968年，马勒又对纪录片重新燃起兴趣，拍摄了《印度印象》系列片。影片站在一个外国人角度，以“直接电影”理念，向观众展示出摄影机前真实的印度。这一套影片在全球引起广泛的兴趣，印度政府向电视台发出严重抗议，甚至采用外交手段驱逐BBC的印度员工。但无论如何，这一套影片已经是纪录电影史上的经典之作。
在一系列纪录片之后，马勒执导了一部涉嫌表现乱伦的影片《好奇心》。影片反映他对自己少年时代的追忆，以优美细腻的笔触涉及母子乱伦情感的敏感题材。尽管争议声一片，但马勒又无可争议地挽回他在剧情片界当年的声誉。
　　1973年，马勒又执导了一部争议性极大的作品《拉孔布·吕西安》，从人性及社会学的角度看待二战时期一个年轻的法官，以次揭露普通人心中“平凡的邪恶”。此片将他独有的才华发挥到极至，又一次为马勒赢得世界性的声誉。影片暴露了法德合作这一真实的历史背景，因此几乎惹恼了法国国内各个阶层，这一结果使得他在法国几乎无法立足。在拍摄了一部晦涩难懂的神话寓言影片《黑月亮》之后，马勒离开法国，到好莱坞发展。
1978年，出于对爵士乐和对少年面对腐败的成人社会题材的兴趣，马勒在美国拍了自己第一部英语影片《雏妓》，影片描写的是爵士乐和妓女制度在南方衰落的背景下，一个雏妓和一个专为妓女拍摄的摄影师的故事。影片不仅使马勒在美国确立了自己的地位，也使得童星波姬小丝一举成名。
此后，他在美国依旧不向商业电影屈服，拍出了怀旧色彩的力作《大西洋城》和引起“安德烈晚餐会”沙龙风潮的《与安德烈共进晚餐》以及一系列的纪录片佳作，如《快乐的追逐》、《上帝的国度》等，在美国电影界和文化界留下深远的影响。
1987年，马勒又回到欧洲，拍摄了自己后期的最佳作品《再见，孩子们》，以自己的童年经历为线索，描述了二战阴影下的孩子们。老导演以清新一如往昔的影像风格和诗情得到评论界和观众的一致称赞，并获得威尼斯金狮奖。
1989年，马勒拍摄了以1968年法国学生运动为背景的影片《五月傻瓜》，以剧情片的方式展现了自己对于“五月风暴”的回忆和观点。
90年代初，马勒在好莱坞又推出一部惊世之作《毁灭》，这又是一部涉及乱伦的激情电影，描述一个参议员，在见到自己的儿媳后，不能自禁，最后导致儿子坠楼身亡的悲剧故事。但时过境迁，马勒并未能取得以往的成绩，但作为一位年介六旬的老导演，能拍出这样激情四溢且极具冲击力的影片，实在令人叹服。
1993年，刚刚完成了心脏手术后的路易·马勒担任了戛纳电影节的主席。之后，他又开始拍摄新片《万尼亚在42街》，这部实验性很强的片子描述了契诃夫的小说《万尼亚舅舅》在纽约42街口被改编排演为舞台剧的过程。1995年在这部新作即将推出之时，马勒不幸因淋巴病变而逝世。一代名导从此与他热爱的世界诀别，但他一生几十部作品将功垂影史，令名不朽。

路易·马勒作品年表：
1956：《 静静的世界》（纪录片，和雅克-伊夫·库斯托合导）Silent World
获奖记录：1956年第9届法国戛纳电影节金棕榈奖
1957：《死刑台与电梯》 Ascenseur pour l'échafaud
1958：《情人们》The Lover
获奖记录：1958年第21届威尼斯电影节最佳导演奖
1959：《私生活》 A Very Private Affair
1960：《扎奇在地铁》 Zazie in the Subway
1963：《鬼火》Feu follet
获奖记录：1963年第26届威尼斯电影节评委会特别奖
1965：《江湖女间谍》（另译《万福玛利亚》） Viva María!
1967：《大窃贼》 The Thief of Paris
1968：《勾魂摄魄之威廉·威尔逊》 Spirits of the Dead
1969：《印度印象》（电视剧集）Phantom India
1971：《好奇心》 Murmur of the Heart
1974：《拉孔布·吕西安》Lacombe Lucien
1974：《人性，太人性》（纪录片） Human, Too Human
1974：《协和广场》（纪录片） Place de la république
1975：《黑月亮》 Black Moon
1976：《特写》（纪录片） Close Up
1978：《雏妓》Pretty Baby
1980：《大西洋城》Atlantic City
获奖记录：1980年第37届意大利威尼斯电影节金狮奖
　　　　　第３５届英国电影学院最佳导演奖、最佳男演员奖
1981：《与安德烈共进晚餐》My Dinner with André
1984：《穷酸白人》Crackers
1985：《阿拉莫湾》Alamo Bay
1986：《上帝的国度》（电视剧集）God's Country
1987：《快乐的追逐》（纪录片）And the Pursuit of Happiness
1987：《再见，孩子们》Goodbye Children
获奖记录：1987年第44届意大利威尼斯电影节金狮奖
1989：《五月傻瓜》（另译《米罗在五月》） May Fools
1992：《毁灭》（另译《爱情重伤》）Damage
1994：《万尼亚在42街》 Vanya on 42nd Street

阿伦·雷奈（Alain Resnais,1922－　）
阿伦·雷奈1922年6月3日出生于法国布丹。电影、漫画、普鲁斯特的小说给了他艺术的启蒙。他后来说漫画是第一种让他认识到电影技巧的媒介，他为了看没有法译本的连环画甚至跑到意大利！
1939年，雷奈在巴黎的生活目标由做一个教师转到舞台表演。1943年，他考入法国高等电影学院，但只读了18个月就退学了，他认为在昂利·朗瓦的法国电影资料馆看经典电影，比在学校上课的收益更大。之后，雷奈搬到了塞纳河左岸，正式开始了他的电影事业。在这个时期，他对蒙太奇和场面调度之间的关系做了一系列的重要实验。1948年的作品《梵高》为他赢得了威尼斯电影节的两个奖项及奥斯卡短片金像奖。
雷奈1950年的短片《格尔尼卡》中用自己独特的蒙太奇手法把毕加索的名画及超现实主义诗人的解说词拼合在一起，强烈的表达了他对战争的不满。1956年，他的另一部经典纪录短片《夜与雾》面世，不同于传统的纪录片，雷奈不追求细节的重组，而以强调观众主动想象和回忆的独特手法又一次撼动人心，而对于《夜与雾》来说更重要的一点是：记忆和遗忘作为雷奈电影中的母题，正是从这部影片中开始出现的。
在雷奈的电影中，我们看到的是《广岛之恋》中的原子弹爆炸与作为个人记忆的女主人公同两个男子之间的恋情；作为战争记忆的《夜与雾》；《穆里爱》中法国在殖民地阿尔及利亚的暴行；政治立场非常强的《远离越南》；以英国为背景而触及了智利独裁政府的暗杀活动的《天意》以及《活在战争的梦魇中》这部1960年代重要的政治电影之一，剧中一句“战争虽然完结，打斗依然继续”成为传诵一时的名句。
而《广岛之恋》是西方电影史上一部划时代的作品。它标志着西方电影从传统时期进入现代时期。它是与“新浪潮”同时期的一个重要流派“左岸派”（另两位“左岸派”的代表人物是玛格丽特· 杜拉斯，代表作品《印度之歌》；阿兰·罗勃－格里叶，代表作品《横越欧洲特快列车》）的一部具有作者独特风格的，并带有十分浓烈的文学色彩的“现代电影”的开山之作。有人认为这是一部“空前伟大的作品”；“也许和《公民凯恩》同样重要”。
1961年，雷奈的另一部经典名作《去年在马里昂巴德》获得威尼斯电影节金狮奖。在这部影片中，雷奈打散了人名（甚至没有名字）、时间与地点的确定性，走进怀疑主义的思考，使该片对大部分观众来说更像是一个猜谜游戏，但更重要的是，正如雷奈自己所说的“形式就是风格”。
1980年，雷奈的实验又进入了新的阶段。《我的美国舅舅》是以行为学家昂利·拿布烈的论文为蓝本，分析了3个法国人的行为。全片交织着变幻莫测的时空迷宫，冷峻的思辩色彩。进入90年代的雷奈，以《吸烟／不吸烟》、《人人都爱唱的歌》使他被封以“后现代大师”的冠冕。《吸烟／不吸烟》由一个选择的不同路径出发，演化出十多种不同的结局，表现了人生变幻莫测的偶然性。雷奈用两位演员饰演9个角色，在实验上又大胆地迈出了一步。《人人都爱唱的歌》中，雷奈让主人公用流行歌曲来代替对话，使电影“成为一种可以在记录与想象、情节剧和哲学之间自由跳跃的媒介”。
2003年，81岁的雷奈又拍摄了《别在我的唇上亲吻》。在拍摄这部作品前，他的另一部筹拍中的影片因为重重阻力而被耽搁了下来，于是他干脆重起炉灶，搞起了法国20年代的轻歌剧。故事讲述大战刚刚结束，庆幸生还的蚁民疯狂寄情于食色性，歌台舞榭空前蓬勃，用华丽缤纷提供安慰。全片把雷乃的“构建真实”理念深入运用，艺术成就非凡，歌舞动人，绝对是法国歌舞艺术的精粹。
阿伦·雷奈是个富于探索精神和创新精神的法国电影大师，他掌握了视觉和语言之间最完美的平衡，运用画面的时空交错的潜意识流手法准确地表现出人的潜意识活动。

阿伦·雷奈作品年表：
1948：《梵高》（短片）
获奖记录：1949年第22届美国奥斯卡短片金像奖
1950：《格尔尼卡》（短片）
1951：《高更》（短片）
1956：《夜与雾》（纪录片）
1956：《全世界记忆犹新》（短片）
1959：《广岛之恋》
获奖记录：1959年第12届法国戛纳电影节评委会大奖
1961：《去年在马里昂巴德》
获奖记录：1961年第26届意大利威尼斯电影节金狮奖
1963：《穆里爱》
1966：《活在战争的梦魇中》
1967：《远离越南》
1974：《斯塔维斯基》
1977：《天意》
1980：《我的美国舅舅》
获奖记录：1980年第33届法国戛纳电影节评委会大奖
1983：《生活像小说》
1984：《生死恋》
1986：《几度春风几度霜》
1989：《我要回家》
1993：《吸烟／不吸烟》
1997：《人人都爱唱的歌》（另译《法国香颂》）
2003：《别在我的唇上亲吻》

阿巴斯·基亚罗斯塔米（Abbas Kiarostami，1940－　）
阿巴斯·基亚罗斯塔米1940年6月22日出生于伊朗首都德黑兰，毕业于德黑兰艺术学院。阿巴斯早先为交通剧设计交通海报，同时给儿童读物画插图，后来又拍摄广告短片。对各种工作的尝试为他日后拍电影积淀了丰富的社会生活经验。
1969年“伊朗新浪潮”诞生，青少年发展研究院聘请阿巴斯组建电影学系，此后的23年间（至1992年），他一直在此拍片。电影系成了制作伊朗新电影的温床。1970年阿巴斯完成了他的首部抒情短片《面包与小巷》，从中已可洞见他日后集大成作品的艺术风格：纪录片片式的框架、即兴的表演、真实生活的节奏和现实主义的主题。
1974年，积累了几年拍短片的经验后，阿巴斯推出了他的第一部故事长片《旅行者》。1986年后，他相继拍摄了一些反映伊朗学龄儿童面临的问题的纪录片，如《一年级新生》，《家庭作业》等20余部相关作品。
1987年，阿巴斯凭借一部《何处是我朋友的家》在1989年瑞士洛加诺电影节上赢得了银豹奖。1990年，他拍出了迄今为止他最钟爱的影片《特写》。该片源于一桩真实的案件，一名潦倒的男子影迷为了改变穷困无望的生活，冒充著名导演行骗而被送上法庭，阿巴斯就此进行了纪录片式的采访调查。这不能不说是一种新鲜而独特的手法，交叠着电影的真实与现实的真实。
自《特写》开始，阿巴斯沿用并发展了这一手法，有意识的模糊纪录与虚构之间的界限。譬如《生生长流》，其线索即是在寻找《何处是我朋友的家》中饰演主人公的小孩。1994年的《橄榄树下的情人》是关于一个电影剧组选演员拍片的故事，而该剧组正在拍摄的影片就是《生生长流》。正是这种现实与虚构之间的交织使观众强烈地感到所观看的影片不只是创作出来的艺术品，也是每天都在发生的现实生活。由于这三部作品之间微妙的关系，有人称它们为阿巴斯的三部曲。
1997年，阿巴斯一部关于死亡哲理的影片《樱桃的滋味》获得第50届法国戛纳电影节金棕榈大奖。《樱桃的滋味》表达了导演在“限制和自由的矛盾中”形成的对生死的看法。影片因其独特的叙事手法和哲学思考，在世界影坛引起轰动。影片的主人公巴迪，一位面色阴郁的中年人，似乎再也无法找到一个继续活下去的理由，于是自然的，他选择了死亡，在生命的列车抵达终点之前提前下车。虽然他做出了这个选择，但他并不是个草率的人，这从他对身后事的考虑上可以看出。他想到死后要么是亲人收尸、殓葬，这对他们来说或多或少要造成痛苦，起码是不安；要么曝尸野外，让没有头脑的低等动物果腹。这些巴迪先生都不愿意，于是他为自己的死亡做了一个异于常人的安排：在一棵樱桃树下挖个坑，前一天晚上吞下大量安眠药，然后到坑里躺下，第二天早晨，让人来到坑边叫他两声，若仍能回答，则将自己救起；若悄无声息，不管睡得太沉或真的死去，则用20锹土将其掩埋，然后这个人就可以得到巴迪先生留给他的20万里亚尔（伊朗货币单位）。所有的计划都很周密，包括用多少锹土。现在巴迪先生只要找到一个帮助他完成计划的人，于是他开着汽车在茫茫人海中寻觅。影片就从这里开始。
之后，阿巴斯又完成了《ABC到非洲》、《十》、《关于〈十〉的十课》等影片。
2005年，阿巴斯与肯·洛克、厄马诺·欧米完成三段式的影片《车票》，场景选在一列前往罗马的火车上，来自不同国家不同地区的人物在不同的车厢穿插走动，电影也刻意地没有切成三段，颇有连成一气的感觉。《车票》也是一部极力促进人类和平共处的电影，
其间，他还为别人编过剧本，如《钥匙》（1987），《旅程》（1995），以及最广为人知的贾法·帕西诺导演的《白气球》（1995）。
阿巴斯的电影风格得到了众多著名导演的认同和赞赏，昆廷·塔伦蒂诺、埃米尔·库斯杜里卡等都对他推崇倍至，让—吕克·戈达尔更是公然宣称：“电影始于格里菲斯，止于基亚罗斯塔米”，而黑泽明则说得更为恳切：“很难找到确切的字眼评论基亚罗斯塔米的影片，只须观看就能理解它们是多么的了不起。雷伊去世的时候我非常伤心。后来我看到了基亚罗斯塔米的影片，我认为上帝派这个人来就是接替雷伊的。感谢上帝。”
阿巴斯·基亚罗斯塔米是一位大器晚成，可以同印度的萨蒂亚吉特·雷伊和日本的黑泽明相媲美的东方作者导演。

阿巴斯·基亚罗斯塔米作品年表：
1970：《面包与小巷》（短片）
1974：《旅行者》
1985：《一年级新生》（纪录片）　
1987：《何处是我朋友的家》
获奖记录：德黑兰电影节最佳导演奖、最佳录音奖、评委会奖
1989年瑞士洛迦诺电影节铜豹奖、评委会奖、费比西特别推荐奖
1989年戛纳国际电影节艺术电影奖
1989：《家庭作业》（纪录片）
1990：《特写镜头》
获奖记录：1990年加拿大蒙特利尔电影节魁北克影评人协会奖
1992：《生生长流》
获奖记录：1992年第45届戛纳电影节罗西里尼人道主义精神奖、金摄影机奖
1994：《橄榄树下的情人》
1997：《樱桃的滋味》
获奖记录：1997年第50届法国戛纳电影节金棕榈奖
1999：《随风而去》
获奖记录：1999年第56届意大利威尼斯电影节评委会大奖
2001：《ABC到非洲》
2002：《十》
2004：《五》
2004：《关于〈十〉的十课》
2005：《车票》

沟口健二（Kenji Mizoguchi，1898－1956）

沟口健二1898年3月16日出生于日本东京，他的学历不高，小学毕业后就开始工作了，并且从事过多种职业，还曾到黑田清辉的洋画研究所学习。
1920年，沟口健二进入日活公司向岛片厂做助理导演，从此进入电影界。1923年就推出了处女作《爱情复苏日》，他导演的第5部影片《败军的歌曲悲惨》引起了人民的关注。不过早期的艺术创作并不稳定，《雾港》被认为是美国作家奥尼尔的翻版之作。到1934年时，他一共拍了50部无声电影，可现今存世的只有3部拷贝。
20世纪初的沟口健二，远不像今天许多电影学院的学生那样，能够拥有电影界一百多年积攒下来的，极其丰富的资料源和理论库，一入行就能拍出成熟的作品来。那个年代的新晋电影人，只能一边模仿一边摸索，一边学习一边开创，在曲折和艰辛里，等着整个电影艺术和工业体系同自己一起成熟起来。
沟口健二早期的作品极其芜杂，从侦探片、武士片一直到模仿《卡尔加里博士》表现主义样式的惊悚片《血与灵》。作品风格的多变，鲜明地体现出创作者探索之路的艰难曲折。这条路一走，就走过了他的整个青年时代。
1936年，当时已经38岁的沟口健二先后推出了《浪华悲歌》和《祗园姐妹》，从此正式跻身于日本一流导演的行列。然而与此同时另一件重大的事情发生了，这就是战争。战争对沟口健二的打击是致命的。这意味着他必须再白白耗费将近10年的，对于一个成熟导演最宝贵的创作期。更糟糕的是，作为当时日本知名的大导演。他还必须不时应付来自战争机器的种种“定货”，那些为了鼓舞“士气”而策划出来的战争片和武士片。
二战期间沟口健二比较重要的作品主要有古装剧《元禄忠臣藏前后篇》，这是一部形式庄严、制作华美的复仇剧，影片的史诗气势之后在他鼎盛时期的作品时已自成一派。1952年，他推出了名噪一时的《西鹤一代女》，该片讲的是日本幕府时期妓女阿春坎坷的一生。电影原作是一部写于17世纪的日本古典小说《好色一代女》，影片的创作者对原作“好色”的主题作出了自己的改造和挖掘。女主人公阿春在原作中是一个放荡的女人，而在影片中她则是作为好色的男人们的玩物和牺牲品。这部影片节奏舒缓优美，在采用现实主义手法对景物和人物心理进行细微刻画的同时，又通过长镜头和机位变化、剪辑等手法的运用，为影片提供了一种耐人寻味的神韵。影片中大部分镜头都是全景和中景，许多较长的镜头依靠复杂的摄影机运动把不同景别的形象拍在一起，并随着演员的表演和场面调度而转换拍摄的方法，创造出一种舒缓而富于变化的节奏。这种舒缓稳重的影像表现和有条不紊的故事融为一体，有力地展现了处于封建社会低层的主人公所面对的压抑而凝滞的社会文化氛围。
1953年，沟口健二的《雨月物语》再次在威尼斯电影节上获得银狮奖（该年没有金狮奖）。这部影片也被认为是日本电影史上最重要的作品之一。影片以两对夫妇在战乱年代的遭遇来折射女性在乱世中被伤害和摧残的悲惨命运。《雨月物语》的原著是上田秋成的同名小说，共有九篇鬼怪故事，沟口选取了其中《浅茅宿店》和《蛇性淫》两篇，但做了很大的改动。其创作意图是借用莫泊桑小说《勋章拿到了》的主题，讽刺、批判那些一心想往上爬，不惜牺牲女性利益以求荣华富贵的卑鄙男人。影片的成功之处，在于沟口将电影的表现手法同日本传统的艺术表现形式进行了有机的结合，使影片显现出一种十分典型的东方色彩，仿佛一幅耐人寻味的水墨画、一首语境朦胧的叙事诗。
1954年，沟口健二的《山椒大夫》又一次获得威尼斯电影节银狮奖，同年的另一部作品《近松物语》也颇受好评。他影片中如诗如画和悲壮缠绵的古典情调极为动人，而他拍摄中的长镜头表现手法也尤其受到法国影评人和新一代导演的推崇。1955年，沟口健二还有根据中国古代诗人白居易《长恨歌》改编的《杨贵妃》，又一次把目光投向了悲剧中的女人。
1956年，的《红线地带》是沟口健二的最后一部影片。他一生共拍摄了90余部影片。作品主要以女性为中心，大多表现了男性对女性的歧视和戕害，对女性寄予了强烈的同情心，有“女性电影大师”之称。在电影手法上坚持一场戏一个镜头，排斥大特写和近景，以远景和全景为主要的拍摄方法，拒绝蒙太奇的运用。
1956年8月24日，沟口健二在京都逝世，享年58岁。

沟口健二作品年表：
1923：《爱情复苏日》、《813》、《雾巷》
1923：《鲁宾莫诺》、《铜钱王》
1924：《丹东》、《无人知道的遗址》、《山冈之歌》、《血与灵》
1925：《街头小景》
1926：《纸人伤春》《不给钱不打仗》
1927：《带孝的新娘丽莉》
1928：《一个小学女教员的爱情》
1929：《东京进行曲》《都市交响乐》
1930：《故乡》
1932：《可是他们还在继续干》。
1933：《当今的氏族神》、《瀑布飞泻》、《祗园的节日》。
1934：《神风连队》
1935：《羊脂球》、《虞美人草》
1936：《祗园姊妹》、《浪华悲歌》
1937：《爱与怨的峡谷》
1938：《残菊物语》
1940：《大阪的女人》
1941：《一个演员的生涯》《元禄忠臣藏》（前集）
1942：《元禄忠臣谱》（后集）
1943：《第三代团十郎》（分三集）
1947：《女人的胜利》、《女演员须磨子的恋爱》
1948：《夜间女人》
1950：《雪夫人的命运》
1951：《武藏野夫人》
1952：《西鹤一代女》Life of Oharu，
获奖记录：1952年第17届意大利威尼斯电影节最佳导演奖
1953：《雨月物语》Tales Of Ugetsu
获奖记录：1953年第18届意大利威尼斯电影节银狮奖
1953：《祗园姊妹》（重拍片）
1954：《近松物语》Chikamatsu Monogatari
1954：《山椒大夫》Sansho the Bailiff
获奖记录：1954年第19届意大利威尼斯电影节银狮奖
1955：《杨贵妃》
1955：《新平家物语》
1956：《红线地带》

亨利-乔治·克鲁佐（Henri-Georges Clouzot，1907—1977）
　　亨利-乔治·克鲁佐1907年11月20日出生于法国尼奥市。早年考入政治学校，志愿做一名外交官，后来做了民主共和党的政治家路易·马伦的秘书。不久辞掉秘书之职成为文化人。1928年到1930年先写了几年的电影评论，后来在别人的鼓励下写了电影剧本《混乱之夜》。之后他到德国做副导演。1938年开始正式写电影剧本，他写有1941年拉康布导演的《最后六个人》和1942年洛哥安导演的《家里的陌生人》。1942年正式当导演，第一部作品是《杀人犯住在二十一号街》，这是一部在剧情安排和导演手法上都很出色的影片。
　　1943年克鲁佐完成了《乌鸦》，一部表现主义的作品。在法国中部的一个乡村，雷米·吉尔曼医生居然成了一只“乌鸦”的受害者。原来，有人写了一封署名“乌鸦”的匿名信，诬告他犯有通奸罪和非法施行流产手术。很快，这封诬告信就在村子里广泛流传开来，闹得整个村子惶恐不安，每一个村民都被怀疑是这封神秘匿名信的作者。雷米医生在对此事展开调查的过程中，逐渐发现了同胞们的卑鄙无耻和小肚鸡肠。本片拍摄于第二次世界大战期间，取材于二战前轰动一时的社会新闻，即法国蒂尔市的匿名信案件。创作者巧妙地利用了侦探小说的悬念手法叙述故事，而且采取了杰出的艺术手法。但是，由于影片的悲观主义色彩，导演和编剧在法国解放后被一个清洗委员会暂时驱逐出了电影界。克鲁佐是一个为了艺术而不顾一切的电影艺术家，拍摄于德军占领时期的《乌鸦》已经足以证明他的勇气。
　　《恐惧的代价》是根据乔治·阿尔诺的小说和他在拉美居住时的一些亲身感受拍摄了本片。片中以四名主角人物对命运的挣扎，正如同现代人的社会中的处境。勇气和意志固然重要，但是生命随时会消失在须臾之间的意外下，一切显得没有意义。全片充满了震撼力和压迫力，尤其是影片后半段，完全以视觉呈现出危机四伏的山路，令人提心吊胆，对视听语言的使用出神入化。而影片的结局更是出人意料，使之成为了影史上的经典片段。该片是克鲁佐的代表作品，是上个世纪五十年代最重要的法国影片之一，在当年A级电影节还不互相排斥的年代，影片连获柏林和戛纳两个电影节的最高大奖。
　　《恶魔》这部拍摄于1954年的黑白片已经是被公认的惊悚片经典了，全片从头到尾不见一丝血光，但气氛营造得步步惊心，直到最后一刻才揭开迷底，而且丝丝入扣毫不牵强。这部黑白片即使在今天看来，仍然有惊心动魄之感。
　　《毕加索的秘密》这部拍摄于1956年夏天的纪录片忠实纪录了毕加索创作绘画作品的详细过程。影片采用黑白胶片拍摄，这使吸烟和手持画笔的毕加索显得更加神秘莫测。拍完这部纪录片后，毕加索将拍片过程中所画的20余幅画悉数毁弃，这使得本片更显珍贵。描写画家的纪录片多如牛毛，但是，真正对创作过程描摹的并不多见，特别是这种零距离的接触。这部电影在今天，恐怕是我们近距离接触这位大师最有效的途径了。1984年法国政府将这部影片纳入国家宝藏之列。
　　亨利·乔治·克鲁佐，是新浪潮之前就已经成为法国电影中坚力量的老牌大师。他是法国现实主义传统的继承者，但是他将现实主义引向了自然主义，追求最纯粹、最严谨的戏剧性，以避免简单化和情绪化。克鲁佐影片中的人物通常是腐败的、懦弱的、悲惨的。在他看来，每一个人的身上都寄生着善良与丑恶，真实和谎言。这种对生活的清醒认识，无疑是解开克鲁佐的道德观的关键。但是，他在影片中总是回避对事件进行道德思考，拒绝对人物进行心理分析。他不是人类心灵的分析者，而是人类行为的描绘者。
　　亨利·乔治·克鲁佐于1977年逝世。
亨利·乔治·克鲁佐作品年表：
1942：《杀人犯住在二十一号街》
1943：《乌鸦》Le Corbeau
1949：《巴黎警察局》Quai des Orfèvres
1949：《玛侬》Manon
获奖记录：1949年第12届意大利威尼斯电影节金狮奖
1950：《米盖特和她的母亲》
1952：《恐惧的代价》Wages of Fear
获奖记录：1953年第6届法国戛纳电影节大奖（金棕榈奖）
最佳男演员奖
　　　　　1953年第3届德国柏林电影节金熊奖
1954：《恶魔》Diaboliques
1955：《毕加索的秘密》（纪录片）Le Mystère Picasso
获奖记录：1956年第9届法国戛纳电影节评委会特别奖
1957：《间谍》
1960：《真相》
1967：《女囚犯》

比利•奥古斯特（Bille August，1948－　）
比利·奥古斯特1948年11月9日出生丹麦的哥本哈根，早年赴瑞典学习摄影专业，深受艺术大师伯格曼的影响。回国后，进入丹麦电影学院深造，拍摄电视短片。1978年，他导演的处女作《在我的生活中》以凝炼的电影语言、对现实的深刻解析，为伯格曼之后单调沉闷的北欧电影吹来了一股清新之风，从而在北欧影坛崭露头角。
1983年，沉寂五年的奥古斯特陆续推出两部作品：《儿童之城》、《巴斯特的世界》。这两部以儿童为描写对象的影片使他享誉欧洲。《巴斯特的世界》获1985年柏林电影节最佳儿童片奖，《儿童城》则使奥古斯特第一次在戛纳电影节上引起人们的注意。这两部影片与后来的《挣扎与呐喊》构成了奥古斯特电影创作的第一个阶段：通过表现残酷社会现实中脆弱的生命的遭遇来揭示生活。
　　四年后，影片《征服者佩尔》使奥古斯特获得世界级荣誉。本片根据诺贝尔文学奖作家马丁尼索的作品改编而成，描述的是十九世纪的北欧，由于时局不好，日子难过，大批的瑞典农工离开家乡前往邻近的丹麦移民，企图寻找更好的生活，比利与他的父亲莱斯亦是如此。他们虽然如愿來到了丹麦，也终于找到了落腳之处，不过生活依旧困苦，年迈的父亲忍受压榨忙碌地工作，比利也努力学习着如何在夹缝中求得生存，他们碰到许多不公平的事，卻依然不放弃理想，也似乎看到了希望……本片夺得第四十一届戛纳电影节金棕榈奖，在第六十一届奥斯卡最佳外语片的角逐中，这部影片又击败了西班牙大师佩德罗·阿莫多瓦的《精神濒临崩溃的女人》获最佳外语片奖。
1992年，由英格马·伯格曼担任编剧、奥古斯特执导的《最美好的愿望》在第四十五届 戛纳电影节再度荣获金棕榈最佳影片奖。瑞典电影大师英格玛·柏格曼宣布不再拍片之后写的剧本，剧情改编自柏格曼父母的婚姻故事。其母安娜原是富家千金，偶然认识了贫穷的哲学系学生亨利·柏格曼，执意要嫁给他，不惜违背母亲的旨意。但她前往亨利的故乡结婚之后，才发现地处穷乡僻壤的婚姻生活并不如想象中美好，此时她才回想起母亲对她有美好的用意。全片艺术色彩浓厚，在优美的北国景色衬托之下更显得女主角内心的孤寂难熬。该片女主角、后来成为奥古斯特妻子的佩尔尼拉·奥斯特伦击败英国女演员埃玛·汤普森，获最佳女主角奖。这一系列史诗片构成了奥古斯特第二个创作阶段：史诗电影的创作阶段。
1994年，奥古斯特执导根据伊莎贝尔·阿连德同名小说改编的《金色爵门》，该片汇集了英、美、西班牙众多电影精英：杰里米·艾恩斯、梅莉尔·斯特里普、安东尼奥·班德拉斯等 。这是一部以智利革命为背景，描写一位具有神奇预见力的非凡女子及其女儿的命运沉浮与感情纠葛的影片。该片充满南美风情，并完美地体现了原著神秘、阴郁、扑朔迷离的魔幻现实主义色彩。尽管影评界对片中加入的商业元素颇有微词，但整体上还是肯定了奥古斯特对电影风格的把握、对细节的精雕细刻，以及唯美的画面追求。
1997年，奥古斯特又将目光投向冰天雪地、有童话世界意境的格陵兰岛，拍摄改编自畅销小说的电影《影都雪恋 》，此片将洁白冰雪下一个危险、唯利是图、阴晦、充满暴力的现实世界呈现在观众面前。国际影星朱丽娅·奥蒙德的精湛演技更令影片锦上添花。
1998年的《新悲惨世界》故事背景是上个世纪初的巴黎。冉阿让因为要养活姐姐的小孩而偷面包被捕，20年后出狱。走投无路的他被主教收留，但他却偷了主教的银器。主教逮住他后并没有再次把他送进监狱，反而送给他一座银制的烛台，冉阿让受到感化，从此洗心革面奋发向上，十年后成为小镇镇长和成功的商人。这时，以前缉拿过他的警长沙威出现，一心要找他的麻烦。而他这时已爱上他工厂里的女工芳汀，并应承了照顾她的私生女的重任。一方面是改恶向善的冉阿让，另一方面是相信人一旦失足便终生堕落的警长，两人之间的纠葛与较量推动着全剧的发展。

比利•奥古斯特作品年表：
1978：《在我的生活中》In My Life
1983:《儿童之城》Zappa
1984：《巴斯特的世界》 Busters verden
获奖记录：1985年第35届德国柏林电影节最佳儿童片奖
1984：《挣扎与呐喊》Twist and Shout
1987：《征服者佩尔》Pelle erobreren
获奖记录：1988年第41届法国戛纳电影节金棕榈奖
1989年第61届美国奥斯卡最佳外语片奖
1991：《最美好的愿望》Goda viljan, Den
获奖记录：1992年45届法国戛纳电影节金棕榈奖
1993：《金色爵门》The House of the Spirits
1996：《耶路撒冷》Jerusalem
1997：《影都雪恋》Smilla's Sense of Snow
1998：《新悲惨世界》
2000：《马丁之歌》